Об одном из самых важных изобретений искусства ХХ века.
Перфо́рманс (англ. performance — исполнение, представление, выступление) — форма современного искусства, жанр театрально-художественного представления, в которой произведения составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношения художника и зрителя. В этом заключается отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение определяется выставленным объектом. Иногда перформансом называют такие традиционные формы художественно-артистической деятельности, как театр, танец, музыка, цирковые выступления и т. п, однако в современном искусстве термин «перформанс» относится обычно к формам авангардного или концептуального искусства, наследующим традицию изобразительного искусства.
Впервые слово «перформанс» было применено к своему произведению-действию композитором Дж. Кейджем в 1952 году, исполнившим на сцене «4′33″». В афише этого концерта значилось — перформанс.
Ив Кляйн — французский художник-новатор, одна из наиболее значительных фигур послевоенного европейского искусства.
В 1958 году уже известный эпатажностью Ив Кляйн представляет парижской публике выставку «Пустота». Снаружи помпезная, с синими напитками и портьерами, внутри выставка встретила зрителя пустыми стенами бело-голубого цвета. «Я оставил видимый, физический синий у двери и снаружи, на улице. Настоящий синий был внутри, синий глубины космоса, синий моего королевства, нашего королевства! — объясняет „Пустоту“ Кляйн. — Имматериализация синего, цветового пространства, которое не видимо, но которым мы пропитываемся… Пространством синей чувствительности в рамке белых стен галереи». Увы, публика подумала, что ее разыгрывают, и не поняла, где искать космос.
Через два года в газете появляется фотомонтаж, на котором Ив Кляйн, раскинув руки, прыгает с высоты. Заголовок выдуманной им же статьи гласит: «Человек в космосе! Художник космоса бросается в пустоту!» Прыжок с академической школы в объятия пустоты, доказывающий, что искусством может быть даже ничто, — таков совершенный жест истинного художника-модерниста.
Этот цвет, напоминающий ляпис-лазурь, которую использовали в средневековой живописи, стал знаменитым «международным синим цветом Кляйна» (англ. International Klein Blue, IKB, шестнадцатеричный код #002FA7).
Антропометрии
Антропометриями Кляйн называл картины, созданные при помощи отпечатков человеческого тела на полотне. Первые эксперименты с техникой «живых кистей» прошли летом 1958 — Кляйн покрывал синей краской обнажённое тело молодой женщины, которая оставляла отпечатки своего тела на листах бумаги, расстеленных на полу. В 1960 он провел публичную демонстрацию антропометрий — девушек, вымазанных «международным синим цветом Кляйна» волочили по лежащему на полу холсту под аккомпанемент Монотонной симфонии (произведение исполнялось на одной ноте в течение десяти минут, потом следовала пауза также продолжительностью в десять минут).
Биография итальянского художника Джино де Доминичис (1947–1998) овеяна мифами. В 1998 году некоторые даже не поверили в то, что он умер, — и неудивительно: ведь в 1968 году Доминичис эпатировал публику, создав плакат, в котором сообщал о своей смерти. Джино де Доминичиса интересовали перформансы, съемки фильмов, инсталляции, позже он увлекся живописью и скульптурой. И хотя его творчеству свойственно исследование пространства и времени, невидимости и бессмертия материи, но в центре всегда находится человек и художник. Так, в автобиографии к 47-й Венецианской биеннале Джино де Доминичис описал свою работу как независимую от тенденций, которые были сформированы после Второй мировой войны.
Продал невидимую работу
Ви́то Акко́нчи — италоамериканский поэт, художник, архитектор.
Он начал свою карьеру как поэт. В конце 1960-х Аккончи занялся перформансом и видеоартом, используя собственное тело как объект для фотографий, видео и представлений. В перформансе «Seedbed» (январь 1972), Аккончи лежал, спрятанный под пандусом, установленным в Sonnabend Gallery, и мастурбировал, озвучивая в громкоговоритель свои фантазии о посетителях, которые ходили над ним по пандусу. На протяжении 1980-х Аккончи сосредоточился на архитектуре и ландшафтном дизайне. Один из примеров — «Walkways Through the Wall». В 1960-х годах женился на художнице Розмари Майер
Герман Нич — австрийский художник, один из основных представителей венского акционизма.
Герман Нич родился и вырос в Вене. Во время обучения в венском «Графическом высшем учебном заведении» (нем. Höhere Graphische Bundes-Lehr- und Versuchsanstalt) вошёл в круг венских акционистов. Прочими участниками неформального художественного объединения, проповедовавшего радикальный авангард были: Гюнтер Брус, Отто Мюль, Рудольф Шварцкоглер.
Кристофер «Крис» Бёрден — американский концептуальный художник. Некоторые из своих работ создавал в такой форме искусства, как Shock art.
Шок-арт — искусствоведческий термин для обозначения специфического направления современного искусства, сформировавшегося в начале 1960-х годов. Художники в рамках этого направления пытаются создавать произведения искусства, которые за счёт использования необычных художественных материалов, непристойных или провокационных выразительных форм или скрытых смыслов должны шокировать зрителя.
В 1971 году Борден покорил аудиторию и укрепил свое место в истории своей часто опасной для жизни работой. Среди прочего, он застрелился, был распят на спине жука VW и казнен на электрическом стуле, настаивая на том, что он «не о смерти».
Его наиболее известная работа этого времени — перформанс Выстрел (Shoot, 1971), в котором левая рука художника была прострелена (при помощи ассистента) с расстояния около пяти метров. Бурдена отправили к психиатру после этого произведения. Много интерпретаций появилось в связи с этой работой. Многие видели это как заявление о войне во Вьетнаме и американском праве носить оружие.
Один из наиболее известных перформансов Бурдена, Trans-Fixed, был показан в 1974 году на Speedway Avenue в Венеции, Калифорния. Во время этого перформанса Бурден лежал лицом вверх на Фольксвагене Жуке, обе его руки при этом были прибиты таким образом, будто он был распят на автомобиле. Машину вытолкали из гаража и мотор работал две минуты перед тем, как машину затолкали обратно в гараж.
Йо́ко О́но Ле́ннон, известная как Йоко Оно — японская авангардная художница, певица и деятель искусства, вдова Джона Леннона.
Она приехала в Лондон вместе с Тони и Кёко в 1966 году, чтобы продвинуться в художественных начинаниях. Джон Леннон, участник The Beatles, пришёл на её выставку в галерее «Индика» по рекомендации Пола Маккартни. По официальной версии, растиражированной впоследствии Джоном и Йоко, Джона до глубины души поразил один из экспонатов выставки: в комнате с белыми стенами стояла лестница, а к потолку была подвешена лупа. Поднявшись, зритель должен был взять лупу, и с её помощью прочитать на висящем под потолком холсте слово «Да». По его собственным словам, Леннон ожидал подвоха, дающего понять зрителю, что он напрасно так высоко залез, и был в восторге, увидев, что там написано «Да»
Вместе с третьим мужем Оно в 1969-м провернула самый известный и тиражируемый перформанс «В постели за мир» — недельные возлежания на кроватях в отелях Монреаля и Амстердама — протест против ввода американских войск во Вьетнам.
Йозеф Бойс — немецкий художник, один из главных теоретиков постмодернизма.
В его творчестве конца 1940—1950-х годов доминируют «первобытные» по стилю, близкие наскальным росписям рисунки акварелью и свинцовым штифтом с изображением зайцев, лосей, овец и других животных. Занимался скульптурой в духе экспрессионизма В. Лембрука и Матаре, исполнял частные заказы на надгробия. Испытал глубокое воздействие антропософии Р. Штейнера.
В первой половине 1960-х годов стал одним из основоположников «флюксуса», специфической разновидности искусства перформанса, наиболее распространенной именно в Германии. Яркий оратор и педагог, в своих художественных акциях всегда обращался к аудитории с императивной агитационной энергией, закрепив в этот период и свой знаковый имидж (фетровая шляпа, плащ, рыболовный жилет). Использовал для арт-объектов шокирующе непривычные материалы типа топлёного сала, фетра, войлока и мёда; архетипическим, сквозным мотивом пребывал «жировой угол», как в монументальных, так и в более камерных (Стул с жиром, 1964, Музей земли Гессен, Дармштадт) вариациях. В этих произведениях остро проступили чувство тупикового отчуждения современного человека от природы и попытки войти в неё на магически-«шаманском» уровне.
Марина Абра́мович — сербский мастер искусства выносливости. Её работа исследует отношения между художником и аудиторией, пределами тела и возможностями ума. Активно занимающуюся творчеством больше пяти десятилетий, Абрамович прозвали «бабушкой искусства перформанса». Она открыла новое понятие идентичности, делая наблюдателей участниками и сосредотачиваясь на «противостоянии боли, крови и физических пределах тела». Не раз обвинялась в сатанизме
«Ритм 0»
Чтобы проверить пределы связи между перформансистом и зрителями, Абрамович в 1974 году создала один из своих наиболее сложных и известных перформансов. Себе она отвела пассивную роль, действовать предстояло публике.
Абрамович разместила на столе 72 объекта, которыми люди могли пользоваться как угодно. Некоторые из этих объектов могли доставлять удовольствие, тогда как другими можно было причинять боль. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями.
Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович позднее вспоминала:
Полученный мной опыт говорит о том, что, если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния.
Работа с Улаем
Главными концепциями, которые они исследовали, были личность и индивидуальность художника. Постепенно Абрамович и Улай решили создать коллективное существо, называемое «другое», и говорить о себе как о частях двухголового тела. Они одевались и вели себя как близнецы, и не имели друг от друга секретов.
На одном из первых совместных перформансов в 1977 году, названном «Отношения во времени», Марина и Улай сплели свои волосы и просидели спиной друг к другу в подобном положении 17 часов. На протяжении первых 16 часов они находились только под взором сотрудников галереи. На каждый час отводилось только 3 минуты перерыва, в которые делалась съёмка. Только на 17-й час перформанса, когда Марина и Улай были на грани полного изнеможения, была приглашена публика. Идея заключалась в акцентировании внимания на том, что, подпитываясь энергией публики, человек повышает уровень своих возможностей, в данном случае просидев в таком положении ещё час.
Перформанс «В присутствии художника», МоМА, 2010
Первая ретроспективная выставка Марины Абрамович состоялась в 2010 году в Нью-Йоркском музее современного искусства. Во время этой выставки Мариной Абрамович был сделан новый перформанс — «В присутствии художника» (The Artist is Present). Идея перформанса заключалась в том, чтобы Марина могла, посредством внимательного взгляда, установить контакт с любым желающим посетителем выставки. Этот момент фиксировался фотографом. Перформанс длился 736 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям. В первый день перформанса она встретилась с Улаем. Художница не смогла сдержать чувств и расплакалась.
Два художника Марина Абрамович и Уве Лайсипен встретились и полюбили друг друга в 1976 году в Амстердаме. Через 8 лет у них начались проблемы в отношениях, они отправились в путь с противоположных концов Великой Китайской стены и навстречу друг другу. Когда их пути сошлись, обнялись в последний раз и простились, навсегда исчезнув из жизни друг друга.
Спустя 30 лет Марина сделала перформанс в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Художница разделяла минуту молчания с любым человеком, который сядет напротив нее.